de Columbia o la UCLA, están estructuradas como lugares en los que te “enseñan” a convertirte en artista, participando en varios cursos que instruyen al alumno sobre los distintos tipos de formas artísticas, técnicas, historia del arte y crítica. Por otro lado, en Europa, en escuelas como la Städelschule de Francfort o la Real Academia Danesa de Copenhague, los programas están estructurados para proporcionar un entorno estimulante dirigido a apoyar el proceso artístico y de producción a los participantes del programa que ya son considerados artistas.

Evidentemente, los dos modelos tienen sus pros y sus contras, pero lo que a menudo tienen en común es que sus programas están muy anticuados teniendo en cuenta el tipo de arte que se produce hoy en día, o que están demasiado ligados al sector artístico comercial y funcionan simplemente como vías para trabajar en red y como promoción.

Pienso que la pregunta es: ¿cuál es la educación que se puede proporcionar en una escuela de arte? Dada la naturaleza de la práctica artística contemporánea, manteniendo su diversidad, creo que una escuela de arte tendría que ser un centro de escolaridad e investigación intelectual directamente relacionada con las disciplinas más amplias de política, sociedad, ciencia, humanidades, etc. Se trata de ampliar horizontes y de crear conocimientos que no sean superficiales. Hay que destacar la teoría y la práctica, pero no hay que separarlas nunca.


El próximo Manifesta se basará en la idea de la escuela. La escuela es uno de los principales lugares en los que se recibe una educación. En primer lugar, nos gustaría que nos hablaras de las diferencias entre las ideas de exposición y de escuela. La escuela ofrece al estudiante un contexto en el que ser educado continuamente con una idea de evolución personal. Por otro lado, la exposición (o la idea tradicional de exposición) es el resultado de un proceso, un espacio en el que la audiencia puede recibir un mensaje. ¿Qué piensas de las diferentes cronologías de estas plataformas? ¿La combinación de ambas cosas es un modo de ir más allá de los aspectos que debemos abordar en la exposición y también en la escuela?

De entrada es importante explicar que la idea de la escuela surgió como reacción a la idea de Manifesta como bienal, en cuyo contexto específico tendrá lugar esta edición, así como al momento actual del arte y la educación artística en general. Manifiesta 6 (M6) no pretende ser una exposición en forma de escuela sino un intento de iniciar una escuela como proyecto posible a largo plazo; no se basa sólo en la idea de una escuela sino que es un proyecto piloto para una escuela que, si las circunstancias lo permiten, llevará al establecimiento de una escuela de arte internacional permanente en Nicosia. Es importante, sobre todo si se considera en el marco del tiempo, entender que la escuela que existirá mientras dure la bienal pretende ser un modelo. El modelo es una reflexión sobre las metodologías de una escuela de arte y el contenido que habría que integrar y generar como entidad productora de conocimiento.


Si hablamos de una exposición es fácil entender el tipo de visibilidad que se puede conseguir. Los medios de comunicación saben lo que ven. Los visitantes saben lo que piden. Desde tu punto de vista, ¿qué tipo de atención o lectura puede hacerse de algo que intenta buscar otros caminos y pide otro tipo de relación?

Pensar en el público no es el punto de partida de este tipo de proyecto; el concepto de la escuela no es un truco o una nueva forma de entretenimiento artístico. Pienso que la pregunta se refiere a la evaluación y creo que, cuando se propone un nuevo modelo o proceso, es básico darse cuenta de que no se pueden medir los resultados con los mismos criterios que se usarían, en este caso, para un modelo de bienal convencional. El número de visitantes o de artículos no es el indicador del éxito real de este proyecto o de otros muchos. La Escuela M6 tiene como objetivo esencial proporcionar una experiencia significativa a los estudiantes y profesores implicados, así como crear un programa de acontecimientos de alta calidad emocionante e interesante durante un periodo de tres meses al que pueda asistir y en el que pueda participar la gente del lugar. El tipo de atención o interés que pueda alcanzar la escuela depende de cómo formulen el programa los curadores y organizadores. Con esto no quiero decir que no me preocupe el interés del público, sino que digo que nuestro trabajo es crear las condiciones en que los estudiantes y el público se interesen por ella y esto sólo se puede hacer durante un cierto periodo de tiempo.


¿El hecho que el próximo Manifesta tenga lugar en Chipre es un factor importante porque apuesta por un modelo como la escuela? ¿Es una forma de evitar un turismo artístico? ¿Es una forma de intentar lograr una mejor conexión con el contexto local? ¿La idea de implantar una escuela nos lleva a una preconcepción de un lugar con un contexto de arte contemporáneo en desarrollo?

Tengo que subrayar que la escuela tendrá un carácter internacional y no pretende ser una reflexión condescendiente sobre el estado del arte contemporáneo en Chipre. Escoger Chipre como sede de Manifesta es, a primera vista, muy problemático, tanto por lo que implica como concepción previa sobre la situación artística allí, como por las implicaciones de escoger un contexto tan cargado políticamente que en muchos aspectos es un microcosmos de muchas de las principales divisiones políticas del mundo actual.

La principal atracción de hacer un proyecto de estas características en Chipre es su ubicación geográfica y su historia. Nicosia es un lugar muy adecuado para establecer un modelo innovador de educación artística que puede incorporar posiciones alternativas y nuevas fuera de la corriente principal a menudo exclusiva de Europa. La situación es lo suficientemente abierta como para celebrar su ubicación y la conexión con el Oriente Medio de forma positiva y crítica sin la carga de tener que competir con modelos internacionales, sino presentando un modelo que sea altamente especializado y condensado. Creo que es importante enfocar positivamente la ubicación y no plantear problemas con respecto a carencias, fronteras, divisiones y retórica de este tipo, sino reconocer la oportunidad de utilizar el Oriente Medio y el sur de Europa como fuentes de inmenso capital intelectual.


¿Cuál es el papel del curador cuando hablamos de educación? ¿Se plantea un nuevo modelo de curador?
¿Cuál es el antiguo modelo de curador? El papel de los curadores está en cambio constante y es uno de los temas más debatidos en el campo artístico. Yo veo el papel del curador como un tipo de actividad dentro del campo de la producción cultural. Los curadores son actores poderosos dentro de este campo y tienen la obligación de adoptar una posición, actuar con responsabilidad y mantener una conciencia de sus posiciones como actores efectivos. Teniendo en cuenta que el mundo del arte a menudo pretende existir en un vacío utópico que sufre unos cuantos problemas profesionales, este tipo de escapismo es alarmante. No creo que la de curador sea una profesión con parámetros definidos que sólo se ocupa de organizar exposiciones, sobre todo cuando hablamos de curadores free-lance.


Tú eres una curadora con educación internacional. ¿Qué piensas de lo que la gente puede pensar de ti como curadora mujer egipcia en un proyecto en Chipre?
A excepción de los ocho meses que estuve en Amsterdam como parte del Programa de Preparación de Conservación De Appel, recibí toda mi educación en Egipto, donde he vivido la mayor parte de mi vida adulta. Esto es un hecho importante que no quiero distorsionar, porque lo que ha influido, tanto negativamente como positivamente, el desarrollo de mis opiniones y de mi carrera son mis orígenes.

¿Qué piensa la gente de Rosa Martínez como curadora española que se encarga de un proyecto en Italia? ¿Qué piensa la gente de Maria Lind, una sueca que lleva un proyecto en Inglaterra? Me gustaría interpretar la pregunta positivamente, como un interés por los curadores no occidentales que empiezan a tener un papel importante en el campo del arte internacional y por la nueva apertura hacia el Oriente Medio y a nuevas posiciones en general. Lo siento, pero no soy tan inocente. Pienso que vuestra pregunta trata sobre estereotipos y concepciones previas o erróneas. Personalmente, a menudo tengo que hacer frente a los intentos de colocarme o de verme como un peón. Soy muy consciente de este hecho. Permitidme que os cuente una anécdota para ilustrarlo. Hace poco, fui de visita al Goethe Institute y la directora me preguntó: “Oh, ¿de veras? ¿Eres de Egipto y eres una de las curadoras del próximo Manifesta? ¿Has hecho alguna vez este tipo de trabajo?”. Y continuó diciendo: “En Alemania tenemos un gran acontecimiento artístico cada cinco años llamado D-O-C-U-M-E-N-T-A.”

Esta forma de crear estereotipos no es una cuestión de carencia de conocimiento de la gente en general, sino a menudo de la ignorancia de los actores a alto nivel en el campo individual. Sin duda, el bushismo no dominaría nuestras vidas ni posiblemente nuestros futuros si los actores influyentes en el campo de la cultura no se convirtieran en peones instrumentalizados dentro de la política prevaleciente de derechas basada en el mercado.